- 枯朶に烏のとまりけり秋の暮|카레다니 카라스노 토마리케리 아키노 쿠레일본어 (마쓰오 바쇼)와 같은 하이쿠는 짧은 감각 이미지들을 병치하여 새로운 의미를 만들어낸다.[42]
- 몽타주 시퀀스는 짧은 숏들을 편집하여 이야기를 압축하는 방식으로, 주로 시간 경과를 암시하기 위해 사용된다. 배경음악을 통해 분위기를 조성하거나 정보를 강화하기도 한다. (예: 《2001 스페이스 오디세이》[39], 《록키》[40])
논리니어 편집 시스템의 등장으로 디지털 편집이 가능해지면서, 편집 기사는 이전보다 더 다양한 역할을 수행하게 되었다.
3. 1. 몽타주 (Montage)
영화 용어에서 몽타주(montage|몽타주프랑스어)는 영화 편집 기법을 의미한다. 몽타주는 '조립하다', '편집하다'라는 뜻을 가진 프랑스어에서 유래되었다.
몽타주는 최소 세 가지 의미를 갖는다.
# 프랑스 영화에서 "몽타주"는 문자 그대로의 프랑스어 의미처럼 단순히 편집을 가리킨다.
# 1920년대 소련 영화 제작에서 "몽타주"는 각각의 숏에는 존재하지 않는 새로운 의미를 도출하기 위해 여러 숏을 병치하는 방법이었다.
# 고전 할리우드 영화에서 "몽타주 시퀀스"는 이야기 정보를 압축된 방식으로 제시하는 영화의 짧은 부분을 의미한다.
D. W. 그리피스는 몽타주 학파는 아니었지만, 편집의 힘을 일찍이 옹호한 사람 중 한 명이었다. 그는 서로 다른 장소에서 동시에 일어나는 사건을 보여주기 위해 교차 편집을 능숙하게 사용했고, 다른 방식으로도 영화 문법을 체계화했다. 그리피스의 1910년대 작품은 레프 쿨레쇼프와 다른 소련 영화 제작자들에게 높이 평가되었으며, 편집에 대한 그들의 이해에 큰 영향을 미쳤다.
쿨레쇼프는 1920년대에 비교적 새로운 영화 매체에 대해 이론화한 최초의 인물 중 한 명이었다. 그에게 있어 다른 매체에서는 복제할 수 없는 영화의 고유한 본질은 편집이었다. 그는 영화 편집이 건물을 짓는 것과 같다고 주장했다. 벽돌 하나하나(숏 하나하나)가 건물을 세우는 것처럼, 숏 하나하나가 영화를 만든다는 것이다. 그의 쿨레쇼프 효과는 몽타주가 관객이 영화 속 사건에 대해 특정한 결론에 도달하도록 이끌 수 있음을 입증했다. 몽타주는 관객이 문맥을 기반으로 의미를 추론하기 때문에 작동한다. 세르게이 에이젠슈테인은 잠시 쿨레쇼프의 제자였지만, 몽타주에 대한 생각이 달라 두 사람은 갈라섰다. 에이젠슈테인은 몽타주를 의미를 창출하는 변증법적 수단으로 간주했다. 그는 관련 없는 숏을 대조함으로써 관객에게 충격에 의해 유발되는 연상을 자극하려고 했다. 그러나 에이젠슈테인은 항상 직접 편집하지는 않았으며, 그의 가장 중요한 영화 중 일부는 에스피르 토박에 의해 편집되었다.[9]
몽타주 시퀀스는 내러티브를 압축하기 위해 시퀀스로 편집된 일련의 짧은 숏으로 구성된다. 일반적으로 상징적인 의미를 창출하기보다는 전체적으로 스토리를 진행(종종 시간의 흐름을 암시하기 위해)하는 데 사용된다. 많은 경우, 분위기를 고조시키거나 전달되는 메시지를 강화하기 위해 배경 음악이 재생된다. 몽타주의 유명한 예는 2001: 스페이스 오디세이에서 유인원에서 인간으로의 최초의 발전을 묘사한 것이다. 다른 예로는 많은 영화에서 사용되는 스포츠 몽타주가 있다. 스포츠 몽타주는 스타 운동선수가 일정 기간 동안 훈련하는 모습을 보여주며, 각 숏은 이전 숏보다 더 나은 개선을 보여준다. 대표적인 예로는 록키와 베스트 키드가 있다.
세르게이 에이젠슈테인과의 연관성은 종종 "병치" 또는 "충돌 몽타주"라는 두 단어로 축약된다. 이는 형식적 매개변수나 이미지의 내용에서 서로 반대되는 두 개의 인접한 숏을 서로 컷하여 각 숏에 포함되지 않은 새로운 의미를 생성하는 것이다. (숏 a + 숏 b = 새로운 의미 c)
충돌 몽타주가 에이젠슈테인과 연관된 것은 놀라운 일이 아니다. 그는 헤겔적인 의미에서 변증법적으로 기능하며, 상반된 아이디어(테제 대 반테제) 사이의 모순이 더 높은 진실, 즉 종합에 의해 해결된다고 일관되게 주장했다. 그는 갈등이 *모든* 예술의 기초라고 주장했으며, 다른 문화에서도 몽타주를 보지 못한 적이 없었다. 예를 들어, 그는 몽타주를 "일본 상형문자" 구성의 지침 원리로 보았다. 여기서 두 개의 독립적인 표의 문자('숏')가 병치되어 개념으로 *폭발*한다.
| 한자 | 의미 |
|---|
| 눈 + 물 | = | 울음 |
| 문 + 귀 | = | 엿듣기 |
| 아이 + 입 | = | 비명 |
| 입 + 개 | = | 짖는 소리 |
| 입 + 새 | = | 노래 |
그는 또한 일본 하이쿠에서 짧은 감각 지각이 병치되어 새로운 의미로 종합되는 몽타주를 발견했다.
: 외로운 까마귀
:: 잎이 없는 가지에
::: 어느 가을 저녁.
(마쓰오 바쇼)
더들리 앤드루는 "줄에서 줄로의 매력의 충돌은 하이쿠와 몽타주의 특징인 통일된 심리적 효과를 만들어낸다"고 언급했다.[11]
3. 2. 연속성 편집 (Continuity Editing)
연속성 편집은 1900년대 초에 개발되었으며, 영화에서 일관되고 매끄러운 스토리텔링 경험을 만드는 것을 목표로 했다. 이는 서술적 연속성을 보장하고 관객을 몰입시키기 위해 일관된 그래픽 품질, 균형 잡힌 구도, 통제된 편집 리듬에 의존했다.[37] 예를 들어, 배우의 의상이 다음 장면에서도 동일하게 유지되는지, 등장인물이 들고 있는 우유 잔이 장면 전체에서 가득 차 있는지 비어 있는지 등이다. 일반적으로 영화는 순서에 맞지 않게 촬영되기 때문에, 스크립트 슈퍼바이저가 연속성에 대한 기록을 유지하고 이를 영화 편집자에게 참고 자료로 제공한다.[43] 편집자는 요소의 연속성을 유지하려고 시도하거나, 스타일이나 서술적 효과를 위해 의도적으로 불연속적인 시퀀스를 만들 수 있다.[43]
고전 할리우드 영화 스타일의 일부인 콘티뉴이티 편집 기법은 초기 유럽 및 미국 감독, 특히 D.W. 그리피스의 영화, 예를 들어 ''국가의 탄생''과 ''관용''에서 개발되었다.[44] 고전적인 스타일은 180도 규칙, 확립 숏, 숏-리버스 숏과 같은 기술을 사용하여 서술을 발전시키는 방법으로서 시간적 및 공간적 연속성을 수용한다. 영화 편집의 180도 시스템은 프레임 내에서 캐릭터 또는 객체의 상대적 위치를 일관되게 유지하여 샷 구성의 일관성을 보장한다. 또한 관객의 방향 감각 상실과 혼란을 피하기 위해 일관된 시선과 화면 방향을 유지하여 명확한 공간적 구분과 매끄러운 서술적 경험을 가능하게 한다. 종종 콘티뉴이티 편집은 문자적 연속성과 인지된 연속성 사이의 균형을 찾는 것을 의미한다. 예를 들어, 편집자는 방해 없이 컷을 통해 액션을 압축할 수 있다. 한 장소에서 다른 장소로 걸어가는 캐릭터는 컷의 한쪽에서 다른 쪽으로 바닥의 일부를 "건너뛸" 수 있지만, 컷은 시청자를 방해하지 않도록 연속적으로 보이도록 구성된다.[45]
3. 3. 교차 편집 (Cross-Cutting)
교차 편집(Cross-Cutting)은 서로 다른 장소에서 동시에 일어나는 사건들을 번갈아 보여주면서 긴장감을 고조시키거나, 사건 간의 연관성을 드러내는 기법이다. D.W. 그리피스는 교차 편집을 통해 영화 문법을 발전시킨 대표적인 감독이다.
3. 4. 점프 컷 (Jump Cut)
프랑스 누벨 바그 영화 제작자들은 1950년대 후반과 1960년대에 걸쳐 편집 기술의 한계를 넓혔다. 누벨바그 영화는 할리우드 영화의 전통적인 편집 에티켓을 따르지 않고, 연속성에 무관심한 편집 방식을 사용했다. 누벨바그의 편집은 연속성의 결여, 자기 언급적인 성질을 두드러지게 하고, 노골적인 점프 컷의 사용, 이야기와 별로 관련 없는 소재의 삽입에 의해, 종종 편집 자체에 주의를 집중시켰다. 장 뤽 고다르의 영화 15편을 편집한 프랑소아즈 콜린, 아그네스 기요모, 세실 데퀴지스와 400번의 구타를 편집한 마리 조제프 요요트가 누벨바그 영화의 가장 영향력 있는 편집자로 꼽힌다.
3. 5. 기타 편집 기법
프랑스 영화에서 '몽타주'는 단순히 편집을 의미하는 프랑스어 단어이다. 소비에트 연방 영화 제작에서 '몽타주'는 여러 숏을 나란히 배치하여 새로운 의미를 만들어내는 기법이었다. 고전 할리우드 영화에서 "몽타주 시퀀스"는 이야기 정보를 압축적으로 제시하는 짧은 영화 구획을 의미한다.
D. W. 그리피스는 편집의 힘을 일찍이 지지한 인물 중 하나로, 교차 편집 등을 통해 영화 문법을 체계화했다. 레프 쿨레쇼프는 영화의 본질이 편집에 있다고 보았으며, 쿨레쇼프 효과를 통해 몽타주가 관객에게 특정 결론을 유도할 수 있음을 증명했다. 세르게이 에이젠슈테인은 몽타주를 변증법적 수단으로 보았고, 무관한 숏의 대비를 통해 관객에게 연상을 일으키려 했다.
몽타주 시퀀스는 짧은 숏들을 편집하여 이야기를 압축하는 방식으로, 주로 시간 경과를 암시하기 위해 사용된다. 배경음악을 통해 분위기를 조성하거나 정보를 강화하기도 한다. 예를 들어, 《2001 스페이스 오디세이》[39]에서는 유인원에서 인간으로 발전하는 과정을, 《록키》[40], 《베스트 키드》 등에서는 운동선수의 훈련 과정을 몽타주 시퀀스로 보여준다.
세르게이 에이젠슈테인의 "병치" 또는 "충돌 몽타주"[39]는 대립하는 두 숏을 편집하여 새로운 의미를 창조하는 것이다. 그는 일본어의 한자나 하이쿠에서도 몽타주 원리를 발견했다.[41] 枯朶に烏のとまりけり秋の暮|카레다니 카라스노 토마리케리 아키노 쿠레일본어 (마쓰오 바쇼)와 같은 하이쿠는 짧은 감각 이미지들을 병치하여 새로운 의미를 만들어낸다.[42]
| 한자 예시 |
|---|
| 눈(目) + 물(水) = 눈물(泪) |
| 문(門) + 귀(耳) = 들을 문(聞) |
| 입(口) + 개(犬) = 짖을 폐(吠) |
| 입(口) + 새(鳥) = 울 명(鳴)[41] |
4. 후반 작업 (Post-Production)
후반 작업은 촬영 이후 영화 편집을 포함한 마무리 작업을 의미한다. 영화 편집은 여러 숏을 정연한 시퀀스로 조합해 나가는 기술이다. 편집자는 푸티지를 사용하여 숏을 선택하고 시퀀스로 조합하여 완성된 영화를 만든다.
영화 편집은 '보이지 않는 예술'이라고 불리는데,[18] 이는 훌륭한 편집으로 인해 관객이 편집 기사의 작업을 알아차리지 못하고 영화에 몰입할 수 있기 때문이다.[19] 단순히 필름 조각을 기계적으로 조합하는 것이 아니라, 영상, 이야기, 대사, 음악, 배우의 연기를 효과적으로 조합하여 통일성 있는 전체를 구축하는 창의적인 작업이다. 구로사와 아키라, 바흐람 베이자이, 스티븐 소더버그, 코언 형제와 같은 감독들은 직접 영화를 편집하기도 한다.
논리니어 편집 시스템을 이용한 디지털 편집의 등장으로, 편집 기사와 조수는 이전에는 다른 사람이 담당했던 영화 제작의 다양한 분야를 담당하게 되었다. 과거에는 영상 편집 기사가 화면만 다루었지만, 디지털 편집 시스템에서는 음향, 음악, 시각 효과까지 편집 기사가 처리하는 경우가 많아졌다. 특히 저예산 영화에서는 편집 기사가 임시로 음악을 편집하거나 시각 효과를 시도하기도 한다.
4. 1. 편집 단계
편집 단계에는 여러 가지가 있으며, 첫 번째는 편집자 컷이다. 편집자 컷(조립 편집 또는 러프 컷이라고도 함)은 픽쳐 락에 도달했을 때 최종 영화의 첫 번째 버전이다. 첫 번째 버전이므로 편집자 컷은 최종 영화보다 길 수 있다.[36] 편집자는 촬영이 진행되는 동안 계속해서 컷을 다듬으며, 영화에 따라 전체 편집 과정은 몇 달, 때로는 1년 이상 걸리기도 한다.[28]
촬영이 끝나면 감독은 편집자와 협력하여 영화의 컷을 더욱 다듬는 데 집중한다. 이때 편집자의 첫 번째 컷이 감독의 비전에 맞게 다듬어진다. 미국에서는 미국 감독 조합의 규칙에 따라 감독은 주요 촬영 완료 후 첫 번째 컷을 준비하는 데 최소 10주를 받는다. "감독 컷"이라고 불리는 작업에서 감독과 편집자는 영화 전체를 매우 자세하게 검토한다. 장면과 샷을 재정렬, 제거, 단축하거나 그 외의 방식으로 조정한다. 종종 플롯 구멍, 누락된 샷 또는 세그먼트가 발견되어 새로운 장면을 촬영해야 할 수도 있다.
감독이 컷을 만들 기회를 가진 후, 후속 컷은 제작사 또는 영화 스튜디오를 대표하는 한 명 이상의 프로듀서가 감독하는 경우가 많다. 최종 컷은 후반 작업 편집의 마지막 단계이며 영화의 최종 버전을 나타낸다.
4. 2. 온라인 편집과 오프라인 편집
비선형 편집 시스템이 널리 사용되기 전에는 영화의 초기 편집은 필름 원본을 복사한 작업본을 물리적으로 잘라 이어 붙이는 방식으로 이루어졌다.[6] 편집자는 필름을 잘못 자르면 제작 비용이 추가되고 필름을 다시 인쇄하는 데 시간이 걸렸기 때문에 매우 정교해야 했다.[6] 무비올라나 플랫베드 편집기 같은 장비가 발명되면서 편집 과정이 빨라지고, 더 깔끔하고 정밀하게 편집할 수 있게 되었다. 무비올라 편집 방식은 비선형적이어서 편집자가 더 빠르게 선택할 수 있었는데, 이는 작업 완료 기한이 매우 짧은 텔레비전용 영화를 편집하는 데 큰 장점이 되었다.
오늘날 대부분의 영화는 미디어 컴포저, 파이널 컷 프로 X, 프리미어 프로 같은 시스템을 사용하여 디지털 방식으로 편집되며, 필름 작업본을 거치지 않는다. 과거에는 필름 원본이 아닌 필름 긍정을 사용하여 편집자가 원본을 손상시킬 위험 없이 원하는 만큼 실험을 할 수 있었다. 디지털 편집을 통해서도 편집자는 이전과 마찬가지로 많은 실험을 할 수 있지만, 필름은 컴퓨터 하드 드라이브로 완전히 전송된다.
영화 편집의 흐름은 기본적으로 오프라인 편집과 온라인 편집의 단계를 거친다. 오프라인 편집은 고품질 촬영 네거(마스터 테이프)를 복사한 저품질 포지 필름(편집 소재의 워크 테이프)을 사용하여 수행하는 "가편집"을 의미한다.[26][27] 이 가편집 데이터를 바탕으로, 전용 장비를 사용한 고도의 가공 및 연출을 가하여 작품을 완성하는 "본 편집"을 온라인 편집이라고 한다.[27]
5. 영화 편집의 의의와 중요성
영화 편집은 단순한 기술적 작업을 넘어, 영화의 스토리텔링, 리듬, 감정, 미학적 완성도를 결정하는 매우 중요한 창조 과정이다. 편집은 관객의 몰입과 영화적 경험을 극대화하는 핵심 요소이다.
세르게이 푸도프킨은 편집 과정이 영화 제작에서 진정으로 독특한 단계라고 언급했다. 영화 제작의 다른 모든 측면(사진, 미술, 작문, 녹음)은 영화가 아닌 다른 매체에서 시작되었지만, 편집은 영화에 고유한 유일한 과정이기 때문이다.[12] 스탠리 큐브릭은 "나는 편집을 사랑한다. 나는 영화 제작의 다른 어떤 단계보다 편집을 더 좋아하는 것 같다. 내가 경솔하게 말하고 싶다면, 편집에 앞서는 모든 것은 편집할 영화를 제작하는 방법일 뿐이라고 말할 수도 있다."라고 말했다.[13]
영화 편집은 내러티브 구조, 시각적 및 미적 영향, 리듬 및 페이싱, 감성적 공명, 그리고 영화의 전반적인 스토리텔링을 형성하기 때문에 중요하다. 편집자는 샷을 조작하고 배열하는 독특한 창의적 힘을 가지고 있어, 관객을 사로잡고, 즐겁게 하며, 감정적으로 연결되는 영화적 경험을 만들 수 있다.
작가이자 감독인 프레스턴 스터지스는 자연스러운 컷의 법칙을 언급하며, 영화 편집자가 이 법칙에 가까워질수록 편집은 더 눈에 띄지 않게 된다고 설명했다.[14] 즉, 관객의 시선과 관심의 흐름에 맞춰 자연스럽게 컷을 연결해야 관객이 편집을 의식하지 않고 영화에 몰입할 수 있다는 것이다.
6. 영화 편집자
영화 편집자는 편집 기사가 편집 소재인 푸티지를 사용하여 숏을 여러 개 선택, 시퀀스로 조합하여 영화를 완성한다.[18] 영화 편집은 영화에만 있는 독특한 기술을 요하는 장인적인 작업이지만, 시나 소설 집필에서의 퇴고와 매우 유사하다.
영화 편집은 미국에서 '보이지 않는 예술(invisible art)'이라고 불린다. 훌륭한 편집은 관객이 편집을 의식하지 못하고 영화 스토리에 몰입하게 만들기 때문이다.[19]
영화 편집자는 단순히 필름 조각을 기계적으로 조합하는 것이 아니라, 어떤 의도와 컨셉으로 영화를 만들 것인지 세부적인 계획을 세운다.[20] 영상, 이야기, 대사, 음악, 배우의 연기를 조합하여 창의적이고 효과적으로 '재구상'하고, 통일성 있는 전체 모습을 구축해야 한다. 구로사와 아키라, 바흐람 베이자이, 스티븐 소더버그, 코언 형제와 같은 작가주의 영화 감독은 가끔 자신의 영화를 직접 편집하기도 한다.
논리니어 편집 시스템의 등장으로, 편집 기사와 조수는 이전에는 다른 사람이 담당했던 다양한 분야(음향, 음악, 시각 효과)를 담당하게 되었다. 특히 저예산 영화에서는 편집 기사가 임시 음악, 시각 효과, 효과음이나 의성어를 조합하는 것이 일반적이다.
6. 1. 역할과 책임
영화 편집자 길드(Motion Picture Editors Guild)는 편집 보조를 "편집자를 보조하도록 지정된 사람. 그의 임무는 편집자의 직접적인 지시, 감독 및 책임하에 할당되고 수행되는 것으로 한다."[15]라고 정의한다. 편집 보조는 편집 과정에 필요한 모든 요소(촬영된 영상, 사운드 파일, 음악 트랙, 시각 효과 에셋 및 기타 미디어 에셋)를 수집, 정리 및 관리한다. 이들은 모든 자료가 적절하게 라벨링, 로깅 및 체계적으로 저장되어 편집자가 자료에 쉽게 접근하고 효율적으로 작업할 수 있도록 보장한다.
편집 보조는 편집 팀과 다른 부서 간의 가교 역할을 하여 의사 소통과 협업을 용이하게 한다. 감독, 편집자, 시각 효과 아티스트, 사운드 디자이너 및 기타 후반 제작 전문가와 긴밀히 협력하여 정보를 전달하고, 결과물을 관리하고, 일정을 조정한다. 종종 임시 사운드, 음악 및 시각 효과 작업을 수행하며, 다른 조수들은 정해진 업무를 수행하고, 필요한 경우 서로 돕기도 한다. 견습 편집자가 조수를 돕기 위해 대기하기도 한다.[16]
일반적으로 텔레비전 프로그램은 편집자당 한 명의 조수를 둔다. 저예산 영화와 다큐멘터리도 마찬가지이다. 대규모 예산 영화의 편집자들은 대개 그들을 위해 일하는 조수 팀을 거느리며, 첫 번째 편집 보조가 이 팀을 담당한다. 필요하다면 약간의 영상 편집도 할 수 있다.
편집 보조의 조직적인 업무는 데이터베이스 관리와 가장 잘 비교될 수 있다. 영화가 촬영되면 모든 사진이나 사운드 조각에 숫자와 타임코드가 코딩된다. 이러한 숫자를 데이터베이스에서 추적하는 것은 조수의 역할이며, 비선형 편집에서는 컴퓨터 프로그램에 연결된다. 편집자와 감독은 원본 영화와 사운드의 디지털 사본을 사용하여 영화를 편집하며, 이는 일반적으로 "오프라인" 편집이라고 한다. 편집이 완료되면 영화를 "온라인"으로 만드는 것은 조수의 역할이다. 이들은 화질이 좋은 원본 요소로 편집본을 다시 결합하는 방법을 그림 및 사운드 완성자에게 알려주는 목록과 지침을 만든다.
편집 보조는 편집자가 되는 경력 경로로 볼 수 있다. 그러나 많은 조수들은 편집자로 승진하는 것을 선택하지 않고 편집 보조 수준에서 매우 만족하며, 영화와 텔레비전 쇼에서 길고 보람 있는 경력을 쌓고 있다.[17]
6. 2. 여성 영화 편집자
초창기 영화에서 편집은 기술적인 직업으로 여겨졌고, 편집자들은 "나쁜 부분을 잘라내고" 필름을 연결하는 역할을 했다. 실제로 영화 편집자 길드가 결성되었을 때, 그들은 창의적인 길드가 아닌 기술적인 길드, 즉 "아래 라인"에 속하기로 결정했다.[8] 여성들은 일반적으로 "창의적인" 직책을 맡을 수 없었다. 감독, 촬영 감독, 프로듀서 및 임원은 거의 항상 남성이었다. 편집은 창의적인 여성들에게 영화 제작 과정에 자신의 흔적을 남길 수 있는 자리를 제공했다. 영화의 역사에는 데데 앨런, 앤 보첸스, 마가렛 부스, 바바라 맥린, 앤 V. 코츠, 아드리엔 파잔, 버나 필즈, 블랑쉬 스웰, 에다 워렌과 같은 많은 여성 편집자들이 있었다.[8]
6. 3. 한국의 주요 영화 편집자
주어진 원본 소스는 영화 편집의 초기 역사와 여성 편집자들의 역할에 대한 내용만을 담고 있어, '한국의 주요 영화 편집자' 섹션을 작성하는 데에는 적합하지 않습니다. 따라서 이전 답변과 동일하게, 주어진 소스만으로는 해당 섹션을 작성할 수 없습니다.
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